En 1977, cuando Tina Turner comenzó su carrera como solista tras dejar su matrimonio abusivo y su colaboración musical con Ike Turner, recurrió al diseñador de vestuario Bob Mackie para definir cómo quería presentarse ante el mundo. El resultado fue el ahora icónico “Flame Dress”, un minivestido de lentejuelas acompañado de una capa de plumas en tonos rojos y naranjas que evocaban el fuego.
Ese acto de reinvención es el eje de DIVA, una nueva exposición en el Denver Art Museum. Según la curadora Jill D’Alessandro, el conjunto evocaba a un “ave fénix que resurge de las cenizas”. El atuendo representaba tanto la libertad que Turner encontró sobre el escenario como el papel de la ropa para expresarla.
“Los vestuarios escénicos sirven para crear personalidades más grandes que la vida misma”, explica D’Alessandro, “y los artistas suelen adoptar un personaje”.
Disponible del 4 de octubre al 31 de enero de 2027, la exposición DIVA en Denver celebra el impacto cultural de casi 100 artistas icónicos a través de aproximadamente 250 objetos, incluidos 58 vestuarios. Organizada por el Victoria and Albert Museum de Londres, la muestra tendrá en Denver su única parada en Estados Unidos.
De izquierda a derecha: Michael Ochs Archives/Getty Images; Bob Mackie
A través de la ópera, el teatro, el cine y la música popular, la exposición explora cómo artistas extraordinarios adquirieron influencia y cómo decidieron ejercerla.
La palabra “diva” se asociaba originalmente con las cantantes de ópera, pero adquirió una connotación más negativa durante la época de los grandes estudios de Hollywood, cuando las estrellas femeninas comenzaron a desafiar a las compañías que controlaban sus carreras.
“La etiqueta de ‘diva’, que antes denotaba una veneración casi divina, se había convertido en sinónimo de problemas”, explica D’Alessandro.
Calificar a una mujer de “exigente” podía ocultar lo que realmente estaba pidiendo: autoridad sobre su propio trabajo. “Era otra forma de socavar el poder creativo y artístico de las intérpretes”, añade.
Organizada en dos actos, la exposición recorre esta evolución a través del vestuario, desde el vestido negro con flecos que Marilyn Monroe utilizó en Some Like It Hot hasta el conjunto de Maison Margiela inspirado en la vestimenta papal, diseñado por John Galliano para Rihanna en la Met Gala de 2018.
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Grace Jones, Prince, Janelle Monáe y Lil Nas X llevan ese cuestionamiento de las ideas convencionales sobre género y belleza hasta la actualidad.
Para la edición de Denver, D’Alessandro amplió la exposición original con fragmentos de películas, fotografías y otros materiales, además de dar mayor visibilidad a artistas latinoamericanas como la soprano peruana Yma Sumac, la actriz mexicana María Félix, Celia Cruz y Selena Quintanilla.
En el Victoria and Albert Museum, Dolly Parton estaba representada por una sola muñeca. La presentación de Denver incorpora dos de sus vestuarios escénicos, prestados por el Dolly Parton Archive.
En “Run the World”, una sección que relaciona los logros artísticos con la visión empresarial y la filantropía, Parton aparece junto a Taylor Swift, Beyoncé, Rihanna y Barbra Streisand.
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Sin embargo, DIVA va más allá del estrellato individual para explorar los vínculos entre estas artistas.
D’Alessandro destaca la amistad entre Cher y Tina Turner, quienes encontraron apoyo mutuo a partir de sus experiencias con parejas controladoras. En 1975, ambas interpretaron “Shame, Shame, Shame” en The Cher Show.
La exposición concluye con esta idea, en una galería dedicada a los vestuarios de lentejuelas que Bob Mackie diseñó para Cher. Incluso las divas más singulares no construyen su identidad completamente solas.
